Hablar de Elizabeth Chambi (EC) es hablar de una pasión que nació entre hilos y dedales. Hija de un sastre paceño, la diseñadora ha logrado convertir esa herencia familiar en una firma de alta costura importante en Bolivia. Su trabajo no busca seguir modas pasajeras, sino crear piezas exclusivas que resalten la fuerza y la elegancia de cada mujer que confía en su talento.

​Con más de dos décadas de trayectoria, Chambi ha demostrado que la sofisticación puede ir de la mano con la identidad local y el cuidado del medio ambiente. En esta entrevista con la revista Boliviana (BOL), la diseñadora nos cuenta los secretos detrás de su proceso artesanal, su inspiración en la diversidad del país y la emoción que siente al ver sus diseños cobrar vida en la pasarela.

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– BOL: Acabamos de presenciar su nueva colección en pasarela. ¿Cuál es el mensaje principal que desea transmitir a la mujer boliviana a través de estos nuevos diseños?

– EC: El mensaje principal que deseo transmitir es que la mujer boliviana es bella por naturaleza. Cada pieza de esta colección es diferente y tiene un proceso único, al igual que cada mujer, y eso no le resta belleza, sino que la enriquece.

Las bolivianas son sofisticadas y tienen la capacidad de reinventarse en cualquier circunstancia. Esta colección está inspirada precisamente en ellas: en su fuerza, su diversidad y su autenticidad.

– BOL: ¿Cuánto tiempo ha tomado el desarrollo integral de esta colección, desde la concepción del primer boceto hasta el último bordado?

– EC: El desarrollo de esta colección tomó aproximadamente un año y medio. El proceso comenzó con la creación de los bocetos, la planificación del evento, la logística, la locación del desfile, la selección de telas, el trabajo de cada pieza, las pruebas de vestuario y los ensayos de todos los que estuvieron involucrados en el evento.

Es un trabajo constante que no se detiene, ya que incluso el día del evento seguimos afinando los últimos detalles para lograr el resultado final.

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– BOL: En esta entrega, ¿qué elementos novedosos ha incorporado y cuáles considera usted que son los “clásicos” de su sello personal que nunca pueden faltar?

– EC: En cuanto a mi sello personal, me he incorporados en mis piezas los bordados a mano, el uso de cristales, encajes y drapeados. Estos elementos aportan delicadeza y permiten crear piezas únicas e irrepetibles.

– BOL: ¿Qué criterios utilizó para seleccionar la paleta de colores y los materiales que definen esta temporada?

– EC: Para la selección de colores, tomo en cuenta tanto las tendencias actuales como los tonos clásicos. Busco colores que impacten y que conviertan cada diseño en un verdadero espectáculo visual.

En cuanto a los materiales, es un proceso muy intuitivo. Visito constantemente tiendas de telas y, cuando encuentro una que me inspira, visualizo de inmediato lo que puedo crear con ella. Me pregunto cómo transformarla en una pieza única y procuro elegir telas exclusivas que refuercen ese carácter especial.

– BOL: ¿Cómo describiría el corte o la estructura que predomina en estas piezas??

– EC: En esta colección predomina la fluidez. He trabajado con gasas, tules, transparencias y drapeados que aportan movimiento y ligereza a las prendas. Sin embargo, también incluí algunos diseños con mayor estructura. Me gusta ofrecer variedad, ya que cada mujer tiene una esencia distinta y la colección busca reflejar esa diversidad.

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– BOL: Su trabajo es reconocido por el minucioso acabado a mano. ¿Qué pieza de esta colección representó el mayor reto técnico para su equipo de costura?

– EC: Hubo dos piezas que se realizaron completamente a mano, con un trabajo minucioso que tomó aproximadamente un mes y medio cada una. Aunque me encantaría crear más diseños de este tipo, no siempre es posible debido al alto costo y al tiempo que implican.

– BOL: ¿En qué perfil de mujer pensaba mientras realizaba los diseños? ¿Cómo ha percibido usted la evolución de la cliente de “Elizabeth Alta Costura” en los últimos años?

– EC: Pensé en una mujer elegante, que cuida cada detalle del evento al que asiste. En cuanto a la evolución de nuestras clientas, considero que hoy son más abiertas en sus elecciones. Los tiempos han cambiado y eso se refleja en una mayor libertad al momento de elegir lo que desean vestir.

– BOL: ¿De qué manera la cultura o el entorno de Bolivia influyen en su propuesta de Alta Costura actual?

– EC: La cultura boliviana es sumamente rica y diversa, y esa diversidad es una fuente constante de inspiración. Nuestro país ofrece contrastes únicos: ciudades con climas fríos y tonos más sobrios, y otras con climas cálidos y colores vibrantes. Mis diseños buscan reflejar esa variedad, resaltando la belleza de nuestra tierra.

– BOL: Sabemos que usted es una gran impulsora del cuidado del medio ambiente. ¿Cómo se refleja esa conciencia ecológica en la gestión de su atelier hoy en día?

– EC: El cuidado del medio ambiente es fundamental. En nuestro atelier aplicamos medidas cotidianas que contribuyen a generar un cambio. Reciclamos la mayor cantidad posible de telas, reutilizándolas o donándolas.

Entregamos nuestros trabajos en bolsas de tela reutilizables y fomentamos su uso constante. Además, promovemos el mensaje: “sin bolsa, por favor, el mundo lo cuido yo”. Sabemos que reducir el uso de plástico es un desafío, pero creemos que todo comienza con pequeñas acciones.

– BOL: Tras su último lanzamiento, ¿cuáles son los siguientes proyectos o pasos que tiene previstos para su marca en lo que resta del año?

– EC: Siempre hay nuevos proyectos en camino. Seguimos trabajando en producciones y, sobre todo, en hacer realidad sueños. Uno de los procesos más especiales es el diseño de vestidos de novia: comenzar con ideas y colores, y llegar al vestido soñado de cada mujer es una experiencia única y muy significativa.

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– BOL: Para aquellas mujeres que buscan invertir en una pieza de autor, ¿qué es lo primero que usted les recomienda tomar en cuenta al momento de elegir un vestido de gala?

– EC: Lo más importante es que disfruten el proceso y que el vestido refleje su esencia. Siempre aconsejo prestar atención a los detalles y dejarse guiar, ya que cada diseño se construye en conjunto con la clienta. Así se logra un vestido verdaderamente único, especialmente en ocasiones tan especiales como una boda.

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Después de una década en las sombras, la Semana de la Moda resurgió en el corazón de Río de Janeiro. Con una agenda que fusionó el diseño, el comercio y el dinamismo cultural, el evento se desarrolló en el renovado sector portuario, marcando el retorno de una cita que revolucionó la industria local hasta su clausura el pasado sábado 18 de abril.

El honor de abrir el telón recayó en la firma nacional Osklen. Bajo la visión creativa de Oskar Metsavaht, la pasarela se transformó en una extensión de la icónica vereda de Ipanema.

La colección se alejó de lo rígido para celebrar la vida cotidiana, utilizando el mosaico de personajes que transitan por la costa carioca como musa para una propuesta vibrante y diversa que cautivó a los asistentes.

A través de 36 propuestas que oscilaron entre lo urbano y lo veraniego, Metsavaht proyectó a Río como una metrópoli provocadora y llena de contrastes.

Durante las cinco jornadas, la pasarela recibió a figuras de la talla de Blue Man, Lenny Niemeyer, Isabela Capeto y Lucas Leão, quienes representaron la fuerza del diseño brasileño.

Además, el evento contó con un matiz global gracias a la participación de la diseñadora Karoline Vitto, radicada en el Reino Unido, y la firma alemana Adidas.

«Buscamos capturar el espíritu único de nuestra gente y mostrarlo al mundo en un espacio que respira historia», señalaron desde la organización al cierre de las actividades.

Motor cultural y económico

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Más allá de la estética, el Rio Fashion Week funcionó como una apuesta financiera ambiciosa. El gobierno municipal estimó un impacto económico superior a los 200 millones de reales (aproximadamente 40,8 millones de dólares), impulsado por la generación de unos 8.000 puestos de trabajo directos e indirectos durante la realización del certamen.

La experiencia se completó con una oferta que trascendió la ropa, incluyendo una exhibición dedicada a los deslumbrantes trajes de Henrique Filho para el Carnaval.

La programación también integró espacios de gastronomía, charlas técnicas, experiencias inmersivas y celebraciones nocturnas que devolvieron a la ciudad su estatus histórico como una capital indiscutible del estilo.

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En el universo de la moda boliviana, donde lo andino suele llevarse el protagonismo, ha surgido una fuerza creativa que mira hacia el horizonte cálido de los llanos para dictar sus propias reglas. Carlos Javier Araúz y Fernando Justiniano (CJA y FJ) no solo diseñan ropa con su marca Hijos de Ramón, en realidad están escribiendo un manifiesto visual sobre lo que significa ser cruceño en el siglo XXI.

Con una mezcla audaz de técnicas ancestrales chiquitanas y un ojo especial para la costura contemporánea, han logrado que el mundo voltee a mirar el lujo que nace entre el saó y el toborochi.

Lo que comenzó como una búsqueda de identidad propia se ha transformado en una de las casas de moda más coherentes y magnéticas de la región. Sus piezas, que funcionan como lienzos donde la naturaleza de Santa Cruz cobra vida, no solo se visten, se habitan. En esta entrevista, los creadores detrás del fenómeno desvelan la dualidad de su taller, la importancia de trabajar con comunidades originarias y cómo han logrado que lo rústico se convierta en la máxima expresión de la sofisticación.

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– BOL: Si tuvieran que describir el estilo de Hijos de Ramón a alguien que no conoce la marca, ¿qué palabras usarían?

– CJA y FJ: Cultura, arte y diseño de autor. Hijos de Ramón refleja profundamente la identidad de las tierras bajas del oriente boliviano. Mezcla lo contemporáneo con un toque ancestral, transformando la cultura cruceña en piezas con carácter propio. Cada prenda no es solo diseño, es una reinterpretación artística de nuestras raíces llevada al presente.

– BOL: De todas sus colecciones, ¿cuál es esa prenda que guardan en su propio ropero y no soltarían por nada?

– CJA y FJ: Sin duda, el Camisero Ñamborí. Es una de las piezas más icónicas de Hijos de Ramón y representa identidad pura. Fue una prenda que marcó un antes y un después para la marca; incluso costó un poco al inicio posicionarla y lograr que el público entendiera su propuesta, pero hoy es un símbolo de nuestra esencia. También está el Camisero Adela, otra pieza fundamental. Tiene una fuerte carga conceptual: parte de la inspiración del vestido de lienzo, dialoga con la arquitectura tradicional y evoca lugares como Portachuelo.

– BOL: ¿Qué es lo que más les gusta de Santa Cruz que siempre termina apareciendo en sus diseños?

– CJA y FJ: Los colores y la luz. La intensidad del verde, el dorado del sol sobre las palmeras, el marrón de la tierra húmeda, las flores como el toborochi y la orquídea. Santa Cruz tiene una energía cálida y vibrante que inevitablemente se filtra en cada prenda.

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– BOL: ¿Quién de los dos es el más “perfeccionista” con las costuras y quién es el que más vuela con las ideas?

– CJA y FJ: Definitivamente, yo, Carlos, soy el del ojo clínico. Me enfoco en revisar cada costura, la caída de la prenda, la estructura, la paleta de colores y que todo tenga coherencia estética. Yo, Fernando, soy quien vuela con las ideas, el que imagina texturas, mezcla pinturas, interviene materiales, se atreve con combinaciones inesperadas y lleva el concepto hacia un terreno más artístico y experimental. Al final, esa dualidad es lo que hace fuerte a Hijos de Ramón: estructura y libertad, técnica y arte.

– BOL: ¿Dónde les surgen las mejores ideas? ¿En su taller o viajando?

– CJA y FJ: Definitivamente en ambos lugares. Las ideas no nacen solo viajando; también surgen caminando por las calles de nuestra ciudad, recorriendo mercados, observando colores y escuchando historias. El taller es donde los conceptos toman forma, pero es en la calle y en el territorio donde nace la inspiración verdadera. Es un complemento necesario: el territorio nos da la filosofía y el taller la transforma en diseño.

– BOL: ¿Qué es lo que más les infla el pecho de orgullo al decir que sus prendas son 100% bolivianas?

– CJA y FJ: Que cada prenda tiene alma local. Trabajamos con fibras artesanales como el saó y la palma de Cusi, incorporamos semillas nativas y tejidos hechos a mano por artesanas chiquitanas y guaraníes. Todo habla de nuestra tierra y nuestra identidad. Llevar esas piezas a distintas pasarelas fuera de Bolivia, representando el Oriente con autenticidad, es lo que realmente nos llena de orgullo. No es solo moda: es territorio convertido en diseño.

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– BOL: ¿A qué celebridad (nacional o internacional) les encantaría ver vistiendo un diseño de Hijos de Ramón?

– CJA y FJ: Para nosotros, nuestras clientas son nuestras verdaderas embajadoras; cada mujer que elige la marca es alguien especial. Pero si hablamos de alguien en particular, nos encantaría ver a Natalia Lafourcade vistiendo Hijos de Ramón. Su sensibilidad artística, su conexión con las raíces y su manera de reinterpretar lo tradicional desde lo contemporáneo dialogan mucho con lo que hacemos como marca.

– BOL: Muchos piensan que el nombre “Hijos de Ramón” viene de un antepasado o un sastre antiguo, pero sabemos que el verdadero protagonista es un gato. ¿Cómo decidieron que su mascota sería el sello de su marca?

– CJA y FJ: El nombre nace de una mezcla de intuición y estrategia. Nuestro gato se llama Ramón, pero entendimos que “Hijos de Ramón” generaba curiosidad. Queríamos que la gente se pregunte: ¿es un sastre antiguo?, ¿es una herencia familiar? Esa era la intención: atraer desde la incógnita. Cuando las personas entraban y descubrían que era una marca boliviana y que Ramón era nuestro gato, la reacción era siempre sorpresa y sonrisa. Era algo cercano, auténtico y muy nuestro.

– BOL: Sin hacer mucho spoiler… ¿qué color o textura va a dominar lo próximo que veamos de ustedes?

– CJA y FJ: Se vienen tonos más profundos y orgánicos. Verde olivo, esmeralda y botella, combinados con tierras húmedas, arena y chocolates intensos. Estamos trabajando una paleta que dialoga entre lo rústico y lo sofisticado: cobre, cerámica y brillo natural. Habrá mucho verde y una fuerte conexión con la textura de la tierra. Siempre territorio, siempre identidad.