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Después de una década en las sombras, la Semana de la Moda resurgió en el corazón de Río de Janeiro. Con una agenda que fusionó el diseño, el comercio y el dinamismo cultural, el evento se desarrolló en el renovado sector portuario, marcando el retorno de una cita que revolucionó la industria local hasta su clausura el pasado sábado 18 de abril.

El honor de abrir el telón recayó en la firma nacional Osklen. Bajo la visión creativa de Oskar Metsavaht, la pasarela se transformó en una extensión de la icónica vereda de Ipanema.

La colección se alejó de lo rígido para celebrar la vida cotidiana, utilizando el mosaico de personajes que transitan por la costa carioca como musa para una propuesta vibrante y diversa que cautivó a los asistentes.

A través de 36 propuestas que oscilaron entre lo urbano y lo veraniego, Metsavaht proyectó a Río como una metrópoli provocadora y llena de contrastes.

Durante las cinco jornadas, la pasarela recibió a figuras de la talla de Blue Man, Lenny Niemeyer, Isabela Capeto y Lucas Leão, quienes representaron la fuerza del diseño brasileño.

Además, el evento contó con un matiz global gracias a la participación de la diseñadora Karoline Vitto, radicada en el Reino Unido, y la firma alemana Adidas.

«Buscamos capturar el espíritu único de nuestra gente y mostrarlo al mundo en un espacio que respira historia», señalaron desde la organización al cierre de las actividades.

Motor cultural y económico

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Más allá de la estética, el Rio Fashion Week funcionó como una apuesta financiera ambiciosa. El gobierno municipal estimó un impacto económico superior a los 200 millones de reales (aproximadamente 40,8 millones de dólares), impulsado por la generación de unos 8.000 puestos de trabajo directos e indirectos durante la realización del certamen.

La experiencia se completó con una oferta que trascendió la ropa, incluyendo una exhibición dedicada a los deslumbrantes trajes de Henrique Filho para el Carnaval.

La programación también integró espacios de gastronomía, charlas técnicas, experiencias inmersivas y celebraciones nocturnas que devolvieron a la ciudad su estatus histórico como una capital indiscutible del estilo.

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En el universo de la moda boliviana, donde lo andino suele llevarse el protagonismo, ha surgido una fuerza creativa que mira hacia el horizonte cálido de los llanos para dictar sus propias reglas. Carlos Javier Araúz y Fernando Justiniano (CJA y FJ) no solo diseñan ropa con su marca Hijos de Ramón, en realidad están escribiendo un manifiesto visual sobre lo que significa ser cruceño en el siglo XXI.

Con una mezcla audaz de técnicas ancestrales chiquitanas y un ojo especial para la costura contemporánea, han logrado que el mundo voltee a mirar el lujo que nace entre el saó y el toborochi.

Lo que comenzó como una búsqueda de identidad propia se ha transformado en una de las casas de moda más coherentes y magnéticas de la región. Sus piezas, que funcionan como lienzos donde la naturaleza de Santa Cruz cobra vida, no solo se visten, se habitan. En esta entrevista, los creadores detrás del fenómeno desvelan la dualidad de su taller, la importancia de trabajar con comunidades originarias y cómo han logrado que lo rústico se convierta en la máxima expresión de la sofisticación.

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– BOL: Si tuvieran que describir el estilo de Hijos de Ramón a alguien que no conoce la marca, ¿qué palabras usarían?

– CJA y FJ: Cultura, arte y diseño de autor. Hijos de Ramón refleja profundamente la identidad de las tierras bajas del oriente boliviano. Mezcla lo contemporáneo con un toque ancestral, transformando la cultura cruceña en piezas con carácter propio. Cada prenda no es solo diseño, es una reinterpretación artística de nuestras raíces llevada al presente.

– BOL: De todas sus colecciones, ¿cuál es esa prenda que guardan en su propio ropero y no soltarían por nada?

– CJA y FJ: Sin duda, el Camisero Ñamborí. Es una de las piezas más icónicas de Hijos de Ramón y representa identidad pura. Fue una prenda que marcó un antes y un después para la marca; incluso costó un poco al inicio posicionarla y lograr que el público entendiera su propuesta, pero hoy es un símbolo de nuestra esencia. También está el Camisero Adela, otra pieza fundamental. Tiene una fuerte carga conceptual: parte de la inspiración del vestido de lienzo, dialoga con la arquitectura tradicional y evoca lugares como Portachuelo.

– BOL: ¿Qué es lo que más les gusta de Santa Cruz que siempre termina apareciendo en sus diseños?

– CJA y FJ: Los colores y la luz. La intensidad del verde, el dorado del sol sobre las palmeras, el marrón de la tierra húmeda, las flores como el toborochi y la orquídea. Santa Cruz tiene una energía cálida y vibrante que inevitablemente se filtra en cada prenda.

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– BOL: ¿Quién de los dos es el más “perfeccionista” con las costuras y quién es el que más vuela con las ideas?

– CJA y FJ: Definitivamente, yo, Carlos, soy el del ojo clínico. Me enfoco en revisar cada costura, la caída de la prenda, la estructura, la paleta de colores y que todo tenga coherencia estética. Yo, Fernando, soy quien vuela con las ideas, el que imagina texturas, mezcla pinturas, interviene materiales, se atreve con combinaciones inesperadas y lleva el concepto hacia un terreno más artístico y experimental. Al final, esa dualidad es lo que hace fuerte a Hijos de Ramón: estructura y libertad, técnica y arte.

– BOL: ¿Dónde les surgen las mejores ideas? ¿En su taller o viajando?

– CJA y FJ: Definitivamente en ambos lugares. Las ideas no nacen solo viajando; también surgen caminando por las calles de nuestra ciudad, recorriendo mercados, observando colores y escuchando historias. El taller es donde los conceptos toman forma, pero es en la calle y en el territorio donde nace la inspiración verdadera. Es un complemento necesario: el territorio nos da la filosofía y el taller la transforma en diseño.

– BOL: ¿Qué es lo que más les infla el pecho de orgullo al decir que sus prendas son 100% bolivianas?

– CJA y FJ: Que cada prenda tiene alma local. Trabajamos con fibras artesanales como el saó y la palma de Cusi, incorporamos semillas nativas y tejidos hechos a mano por artesanas chiquitanas y guaraníes. Todo habla de nuestra tierra y nuestra identidad. Llevar esas piezas a distintas pasarelas fuera de Bolivia, representando el Oriente con autenticidad, es lo que realmente nos llena de orgullo. No es solo moda: es territorio convertido en diseño.

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– BOL: ¿A qué celebridad (nacional o internacional) les encantaría ver vistiendo un diseño de Hijos de Ramón?

– CJA y FJ: Para nosotros, nuestras clientas son nuestras verdaderas embajadoras; cada mujer que elige la marca es alguien especial. Pero si hablamos de alguien en particular, nos encantaría ver a Natalia Lafourcade vistiendo Hijos de Ramón. Su sensibilidad artística, su conexión con las raíces y su manera de reinterpretar lo tradicional desde lo contemporáneo dialogan mucho con lo que hacemos como marca.

– BOL: Muchos piensan que el nombre “Hijos de Ramón” viene de un antepasado o un sastre antiguo, pero sabemos que el verdadero protagonista es un gato. ¿Cómo decidieron que su mascota sería el sello de su marca?

– CJA y FJ: El nombre nace de una mezcla de intuición y estrategia. Nuestro gato se llama Ramón, pero entendimos que “Hijos de Ramón” generaba curiosidad. Queríamos que la gente se pregunte: ¿es un sastre antiguo?, ¿es una herencia familiar? Esa era la intención: atraer desde la incógnita. Cuando las personas entraban y descubrían que era una marca boliviana y que Ramón era nuestro gato, la reacción era siempre sorpresa y sonrisa. Era algo cercano, auténtico y muy nuestro.

– BOL: Sin hacer mucho spoiler… ¿qué color o textura va a dominar lo próximo que veamos de ustedes?

– CJA y FJ: Se vienen tonos más profundos y orgánicos. Verde olivo, esmeralda y botella, combinados con tierras húmedas, arena y chocolates intensos. Estamos trabajando una paleta que dialoga entre lo rústico y lo sofisticado: cobre, cerámica y brillo natural. Habrá mucho verde y una fuerte conexión con la textura de la tierra. Siempre territorio, siempre identidad.

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Marcada por una tendencia pragmática y sin riesgos, en la Semana de la Moda masculina de París, que terminó en enero, se vieron sobre todos trajes y prendas funcionales.

Tras un 2025 dominado por los cambios en las direcciones artísticas de grandes marcas, esta edición otoño-invierno no fue tan excepcional, con menos desfiles y ningún debut.

«Es una temporada que ha sido bastante conservadora, sin propuestas increíbles», analiza para AFP Matthieu Morge Zucconi, jefe de la sección de moda masculina del diario francés Le Figaro.

«Estamos en un período en el que vamos directo a lo esencial. Eso se ve en los desfiles», coincide Astrid Faguer, periodista de moda en Les Échos Week-End.

Con una actualidad llena de altibajos y las dificultades económicas que atraviesa el sector del lujo, las marcas buscan tranquilizar a la clientela y no quieren asumir riesgos, estiman los especialistas.

La tendencia para el próximo invierno es más bien apostar por los valores seguros.

Trajes y cuadros

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El estadounidense de raíces mexicanas Willy Chavarria también propone trajes de inspiración retro, con amplias hombreras y grandes solapas.

La combinación de traje y corbata se impone como una de las grandes marcas de las pasarelas.

En Louis Vuitton, Pharrell Williams la propone de múltiples formas: con botones simples o dobles, cortes más o menos entallados e incluso una opción con bermudas.

En Dior, el traje se inspira en los años 1940, con hombros suaves y pantalones amplios, o en los años 1960, con pantalón pitillo y americana corta.

En Hermès, la sastrería apuesta por materiales nobles, de la franela al cocodrilo, y Sacai le añade volantes al pantalón clásico, creando la ilusión de un short superpuesto.

Juun. J presenta versiones florales, en terciopelo o incluso con un pantalón de motorista amplio.

Los estampados de cuadros también triunfan. Se cuelan tanto en las piezas semitransparentes de tartán de Jeanne Friot como en las camisas, también de tartán, de Kolor.

En Dior, la emblemática chaqueta Bar se reinventa con diseño pata de gallo. Louis Vuitton multiplica los trajes con el patrón príncipe de Gales.

Prendas que duran

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La paleta de colores es sobre todo neutro (negro, gris, beige, marrón) con toques de colores vivos, como el violeta, que se ha visto desde Dior hasta Vuitton, pasando por Issey Miyake y Études Studio.

Para Adrien Communier, jefe de sección de moda en la revista GQ, esta sobriedad refleja sobre todo un retorno a lo esencial, para crear prendas «que sean capaces de durar y afrontar el día a día», observa.

En su opinión, tanto el público como los creadores ya no aspiran a piezas de temporada que queden rápidamente desfasadas, sino que buscan looks que perduran.

«Es imposible no ver aquí una referencia al contexto internacional», estima, y habla de posiciones responsables y pragmáticas respecto a la situación.

«La fantasía estará en otros terrenos», afirma por su parte Astrid Faguer.

Desde las pelucas punk de Dior hasta las gorras de cuero de Vuitton, pasando por las boinas al revés de Officine Générale y las máscaras de macramé de Rick Owens, «nunca habíamos visto tantos tocados en las cabezas», señala. AFP