En el universo de la moda boliviana, donde lo andino suele llevarse el protagonismo, ha surgido una fuerza creativa que mira hacia el horizonte cálido de los llanos para dictar sus propias reglas. Carlos Javier Araúz y Fernando Justiniano (CJA y FJ) no solo diseñan ropa con su marca Hijos de Ramón, en realidad están escribiendo un manifiesto visual sobre lo que significa ser cruceño en el siglo XXI.

Con una mezcla audaz de técnicas ancestrales chiquitanas y un ojo especial para la costura contemporánea, han logrado que el mundo voltee a mirar el lujo que nace entre el saó y el toborochi.

Lo que comenzó como una búsqueda de identidad propia se ha transformado en una de las casas de moda más coherentes y magnéticas de la región. Sus piezas, que funcionan como lienzos donde la naturaleza de Santa Cruz cobra vida, no solo se visten, se habitan. En esta entrevista, los creadores detrás del fenómeno desvelan la dualidad de su taller, la importancia de trabajar con comunidades originarias y cómo han logrado que lo rústico se convierta en la máxima expresión de la sofisticación.

- BOL: Si tuvieran que describir el estilo de Hijos de Ramón a alguien que no conoce la marca, ¿qué palabras usarían?

- CJA y FJ: Cultura, arte y diseño de autor. Hijos de Ramón refleja profundamente la identidad de las tierras bajas del oriente boliviano. Mezcla lo contemporáneo con un toque ancestral, transformando la cultura cruceña en piezas con carácter propio. Cada prenda no es solo diseño, es una reinterpretación artística de nuestras raíces llevada al presente.

- BOL: De todas sus colecciones, ¿cuál es esa prenda que guardan en su propio ropero y no soltarían por nada?

- CJA y FJ: Sin duda, el Camisero Ñamborí. Es una de las piezas más icónicas de Hijos de Ramón y representa identidad pura. Fue una prenda que marcó un antes y un después para la marca; incluso costó un poco al inicio posicionarla y lograr que el público entendiera su propuesta, pero hoy es un símbolo de nuestra esencia. También está el Camisero Adela, otra pieza fundamental. Tiene una fuerte carga conceptual: parte de la inspiración del vestido de lienzo, dialoga con la arquitectura tradicional y evoca lugares como Portachuelo.

- BOL: ¿Qué es lo que más les gusta de Santa Cruz que siempre termina apareciendo en sus diseños?

- CJA y FJ: Los colores y la luz. La intensidad del verde, el dorado del sol sobre las palmeras, el marrón de la tierra húmeda, las flores como el toborochi y la orquídea. Santa Cruz tiene una energía cálida y vibrante que inevitablemente se filtra en cada prenda.

- BOL: ¿Quién de los dos es el más “perfeccionista” con las costuras y quién es el que más vuela con las ideas?

- CJA y FJ: Definitivamente, yo, Carlos, soy el del ojo clínico. Me enfoco en revisar cada costura, la caída de la prenda, la estructura, la paleta de colores y que todo tenga coherencia estética. Yo, Fernando, soy quien vuela con las ideas, el que imagina texturas, mezcla pinturas, interviene materiales, se atreve con combinaciones inesperadas y lleva el concepto hacia un terreno más artístico y experimental. Al final, esa dualidad es lo que hace fuerte a Hijos de Ramón: estructura y libertad, técnica y arte.

- BOL: ¿Dónde les surgen las mejores ideas? ¿En su taller o viajando?

- CJA y FJ: Definitivamente en ambos lugares. Las ideas no nacen solo viajando; también surgen caminando por las calles de nuestra ciudad, recorriendo mercados, observando colores y escuchando historias. El taller es donde los conceptos toman forma, pero es en la calle y en el territorio donde nace la inspiración verdadera. Es un complemento necesario: el territorio nos da la filosofía y el taller la transforma en diseño.

- BOL: ¿Qué es lo que más les infla el pecho de orgullo al decir que sus prendas son 100% bolivianas?

- CJA y FJ: Que cada prenda tiene alma local. Trabajamos con fibras artesanales como el saó y la palma de Cusi, incorporamos semillas nativas y tejidos hechos a mano por artesanas chiquitanas y guaraníes. Todo habla de nuestra tierra y nuestra identidad. Llevar esas piezas a distintas pasarelas fuera de Bolivia, representando el Oriente con autenticidad, es lo que realmente nos llena de orgullo. No es solo moda: es territorio convertido en diseño.

- BOL: ¿A qué celebridad (nacional o internacional) les encantaría ver vistiendo un diseño de Hijos de Ramón?

- CJA y FJ: Para nosotros, nuestras clientas son nuestras verdaderas embajadoras; cada mujer que elige la marca es alguien especial. Pero si hablamos de alguien en particular, nos encantaría ver a Natalia Lafourcade vistiendo Hijos de Ramón. Su sensibilidad artística, su conexión con las raíces y su manera de reinterpretar lo tradicional desde lo contemporáneo dialogan mucho con lo que hacemos como marca.

- BOL: Muchos piensan que el nombre “Hijos de Ramón” viene de un antepasado o un sastre antiguo, pero sabemos que el verdadero protagonista es un gato. ¿Cómo decidieron que su mascota sería el sello de su marca?

- CJA y FJ: El nombre nace de una mezcla de intuición y estrategia. Nuestro gato se llama Ramón, pero entendimos que “Hijos de Ramón” generaba curiosidad. Queríamos que la gente se pregunte: ¿es un sastre antiguo?, ¿es una herencia familiar? Esa era la intención: atraer desde la incógnita. Cuando las personas entraban y descubrían que era una marca boliviana y que Ramón era nuestro gato, la reacción era siempre sorpresa y sonrisa. Era algo cercano, auténtico y muy nuestro.

- BOL: Sin hacer mucho spoiler… ¿qué color o textura va a dominar lo próximo que veamos de ustedes?

- CJA y FJ: Se vienen tonos más profundos y orgánicos. Verde olivo, esmeralda y botella, combinados con tierras húmedas, arena y chocolates intensos. Estamos trabajando una paleta que dialoga entre lo rústico y lo sofisticado: cobre, cerámica y brillo natural. Habrá mucho verde y una fuerte conexión con la textura de la tierra. Siempre territorio, siempre identidad.

Marcada por una tendencia pragmática y sin riesgos, en la Semana de la Moda masculina de París, que terminó en enero, se vieron sobre todos trajes y prendas funcionales.

Tras un 2025 dominado por los cambios en las direcciones artísticas de grandes marcas, esta edición otoño-invierno no fue tan excepcional, con menos desfiles y ningún debut.

"Es una temporada que ha sido bastante conservadora, sin propuestas increíbles", analiza para AFP Matthieu Morge Zucconi, jefe de la sección de moda masculina del diario francés Le Figaro.

"Estamos en un período en el que vamos directo a lo esencial. Eso se ve en los desfiles", coincide Astrid Faguer, periodista de moda en Les Échos Week-End.

Con una actualidad llena de altibajos y las dificultades económicas que atraviesa el sector del lujo, las marcas buscan tranquilizar a la clientela y no quieren asumir riesgos, estiman los especialistas.

La tendencia para el próximo invierno es más bien apostar por los valores seguros.

Trajes y cuadros

El estadounidense de raíces mexicanas Willy Chavarria también propone trajes de inspiración retro, con amplias hombreras y grandes solapas.

La combinación de traje y corbata se impone como una de las grandes marcas de las pasarelas.

En Louis Vuitton, Pharrell Williams la propone de múltiples formas: con botones simples o dobles, cortes más o menos entallados e incluso una opción con bermudas.

En Dior, el traje se inspira en los años 1940, con hombros suaves y pantalones amplios, o en los años 1960, con pantalón pitillo y americana corta.

En Hermès, la sastrería apuesta por materiales nobles, de la franela al cocodrilo, y Sacai le añade volantes al pantalón clásico, creando la ilusión de un short superpuesto.

Juun. J presenta versiones florales, en terciopelo o incluso con un pantalón de motorista amplio.

Los estampados de cuadros también triunfan. Se cuelan tanto en las piezas semitransparentes de tartán de Jeanne Friot como en las camisas, también de tartán, de Kolor.

En Dior, la emblemática chaqueta Bar se reinventa con diseño pata de gallo. Louis Vuitton multiplica los trajes con el patrón príncipe de Gales.

Prendas que duran

La paleta de colores es sobre todo neutro (negro, gris, beige, marrón) con toques de colores vivos, como el violeta, que se ha visto desde Dior hasta Vuitton, pasando por Issey Miyake y Études Studio.

Para Adrien Communier, jefe de sección de moda en la revista GQ, esta sobriedad refleja sobre todo un retorno a lo esencial, para crear prendas "que sean capaces de durar y afrontar el día a día", observa.

En su opinión, tanto el público como los creadores ya no aspiran a piezas de temporada que queden rápidamente desfasadas, sino que buscan looks que perduran.

"Es imposible no ver aquí una referencia al contexto internacional", estima, y habla de posiciones responsables y pragmáticas respecto a la situación.

"La fantasía estará en otros terrenos", afirma por su parte Astrid Faguer.

Desde las pelucas punk de Dior hasta las gorras de cuero de Vuitton, pasando por las boinas al revés de Officine Générale y las máscaras de macramé de Rick Owens, "nunca habíamos visto tantos tocados en las cabezas", señala. AFP

En el corazón de Santa Cruz de la Sierra, donde la modernidad se abraza con la tradición, nace una propuesta que ha logrado lo impensable: elevar el tejido artesanal boliviano a las esferas del lujo global.

Alison y María Teresa Roca (A&MTR), nombres que durante años fueron sinónimo de la estética impecable en las pasarelas, han dado un giro de 180 grados para posicionarse como las arquitectas de una moda con propósito. Su firma, ÍNDIGO– Rethink Fashion, no es solo una marca de ropa; es un manifiesto vivo que busca redimir la identidad nacional a través de la sostenibilidad.

En esta entrevista exclusiva con Boliviana (BOL), las diseñadoras nos revelan el misticismo detrás de su nueva colección CEIBA y los desafíos de llevar la herencia boliviana a los escenarios más exigentes del mundo.

- BOL: ¿Cuál es el mayor aprendizaje de haber pasado del modelaje al diseño de moda sostenible?

- A&MTR: El mayor aprendizaje ha sido comprender la moda desde su raíz. Como modelos, se observa principalmente el resultado final; como gestoras de moda sostenible, entendemos el proceso integral, a las personas que están detrás de cada prenda y la responsabilidad que implica crear de manera consciente.

En ÍNDIGO aprendimos que la moda no solo debe verse bien, sino responder a un propósito claro y tangible. Nuestro enfoque se centra en fortalecer toda la cadena de valor: desde la selección de materia prima sostenible y certificada, hasta el empoderamiento de las artesanas, honrando y preservando los oficios tradicionales.

- BOL: ¿Cómo definen la identidad de ÍNDIGO?

- A&MTR: ÍNDIGO es un retrato vivo de Bolivia: un recorrido que va desde la Amazonía hasta los Andes, tejido a través de saberes ancestrales de comunidades aymaras y Monkox. Cada prenda refleja territorio, identidad y memoria, integrando técnicas tradicionales con un lenguaje de diseño global.

De esta manera, ÍNDIGO se convierte en un puente entre culturas, generaciones y geografías, proyectando la riqueza boliviana al mundo desde una visión contemporánea y responsable. Nos define la fusión entre diseño contemporáneo, sostenibilidad y herencia cultural boliviana.

- BOL: ¿Qué fue lo más difícil de lanzar una marca con enfoque social en plena pandemia?

- A&MTR: La mayor dificultad fue la incertidumbre. No sabíamos cómo respondería el mercado ni cómo sostener el trabajo con las comunidades artesanas en un contexto tan desafiante. Sin embargo, ese escenario reafirmó el propósito de ÍNDIGO: generar oportunidades reales, fortalecer vínculos humanos y demostrar que la moda puede ser un motor de impacto positivo y desarrollo económico.

- BOL: ¿Cuál fue el punto de partida o la inspiración principal de su más reciente colección, CEIBA?

- A&MTR: CEIBA nace en la Amazonía y el Oriente boliviano, y se eleva simbólicamente hasta tocar el firmamento. Sus raíces profundas nos recuerdan de dónde venimos, mientras su fuerza representa la capacidad de permanecer firmes frente al tiempo.

Para los pueblos originarios, como la nación Monkox, la ceiba es un árbol sagrado. Bajo su sombra se toman decisiones, se comparten historias y se honra a los ancestros. Es un puente entre la tierra y lo espiritual, entre la memoria y el futuro. Esta colección es un tributo a la sabiduría de la tierra y al espíritu que nos eleva. En ÍNDIGO, CEIBA representa la conexión profunda entre naturaleza, comunidad y diseño consciente.

- BOL: ¿Qué técnica artesanal es la protagonista en esta ocasión?

- A&MTR: En esta colección, la técnica protagonista es el crochet, trabajado a mano por artesanas bolivianas. Es una práctica artesanal que parte del conocimiento tradicional y que en ÍNDIGO hemos decidido reinterpretar desde una mirada contemporánea.

No solo utilizamos el crochet en su forma clásica, sino que lo redefinimos a través de la creación de figuras complejas, volúmenes y estructuras de diseño, llevándolo a un nuevo lenguaje estético.

- BOL: ¿Cuál es la pieza clave de la colección y por qué todos deberían tenerla?

- A&MTR: La pieza clave de la colección es el vestido Alba, una creación que encarna el corazón de CEIBA. Su diseño incorpora la flor de ceiba como elemento simbólico, representando origen, fuerza y conexión con la tierra. El vestido Alba requiere más de 40 horas de trabajo artesanal y un desarrollo minucioso de moldería, pensado para lograr una silueta favorecedora, elegante y atemporal.

- BOL: ¿Cómo seleccionan a las comunidades de artesanas con las que trabajan?

- A&MTR: Trabajamos con comunidades que comparten nuestros valores: respeto, colaboración y compromiso. En ÍNDIGO establecemos relaciones directas y de largo plazo, asegurando pagos justos, condiciones dignas y una colaboración basada en la confianza mutua.

- BOL: ¿Cómo logran que un tejido ancestral se vea moderno y urbano?

 - A&MTR: En nuestras colecciones combinamos diversas técnicas artesanales, como macramé, crochet y telar, reinterpretándolas desde un enfoque contemporáneo. Gracias al trabajo cuidadoso de moldería, logramos transformar estas técnicas tradicionales en piezas con siluetas modernas, cortes precisos y paletas neutras, creando un diálogo entre lo ancestral y lo urbano.

Este enfoque nos ha permitido construir una identidad propia: nuestras prendas son reconocibles por la calidad del diseño, la atención al detalle y la sofisticación de los acabados.

- BOL: ¿Qué llamó la atención de los expertos sobre ÍNDIGO en eventos como el LAFS?

- A&MTR: Lo que más destacó fue la coherencia entre nuestro discurso y nuestra acción. Los expertos valoraron cómo logramos unir sostenibilidad real, diseño de lujo e identidad latinoamericana, sin perder modernidad, sofisticación ni rigor conceptual.

Además, reconocieron la riqueza y diversidad de Bolivia que reflejamos en cada colección: sus técnicas artesanales, colores, formas y tradiciones. Lo encontraron excepcionalmente hermoso y auténtico, porque nuestras piezas no solo muestran diseño de alta calidad, sino que también llevan consigo la historia y la memoria cultural de nuestro país.

- BOL: ¿Cuál es el principal reto de exportar moda boliviana de alta gama hoy en día?

- A&MTR: El principal desafío radica en la logística y la visibilidad internacional. Bolivia tiene un talento excepcional y técnicas artesanales únicas, pero aún enfrenta dificultades para posicionarse en mercados globales y contar con redes de apoyo que reconozcan el valor de un proceso ético y de alta calidad.

En ÍNDIGO trabajamos para superar estas barreras, mostrando que la moda boliviana puede competir en estándares internacionales sin perder identidad, tradición ni responsabilidad social.

- BOL: ¿Cuál es el siguiente gran paso para ÍNDIGO en 2026?

- A&MTR: Nuestro siguiente gran paso es consolidar la presencia internacional de ÍNDIGO, abrir nuevos mercados y fortalecer nuestro impacto social. Buscamos que la marca sea un referente global de moda sostenible boliviana, demostrando que es posible combinar lujo, ética y cultura en cada colección..